Compositore tedesco, giovanissimo, mutò il cognome originario di Liebmann Beer in quello sotto cui oggi è universalmente conosciuto a ricordo di un ricco parente di cui fu erede. Il nome Jakob fu poi definitivamente italianizzato in Giacomo dal musicista durante il suo soggiorno in Italia. Dopo aver debuttato quale pianista a Berlino, all’età di nove anni, si dedicò verso il 1805 agli studi di composizione e predilesse ben presto l’attività teatrale, rivelando un precocissimo talento con il suo primo lavoro Der Fischer und das Milchmäden (Il pescatore e la lattaia). Continuò la propria istruzione a Darmstadt con l'abate Vogler. Nel 1811 venne nominato compositore della corte granducale a Berlino, dove rimase sino al 1814. Ebbe un certo successo a Monaco, nel 1812, l’opera Jephtas Gelübde (Il voto di Jefte), ma non incontrò il favore del pubblico la successiva Die beiden Kaliffen (I due califfi) eseguita a Vienna nel 1814. La necessità di approfondire studi ed esperienze portò Meyerbeer, a Parigi e a Londra, poi in Italia dove soggiornò negli anni dal 1816 al 1824, subendo il fascino della musica rossiniana a tal punto da dedicarsi egli stesso alla composizione di opere nello stile italiano, quali Semiramide riconosciuta (1819), L’Esule di Granata (1822) e Il Crociato in Egitto (1824), che lo riportò sull’onda del successo a livello europeo. Stabilitosi a Parigi, Meyerbeer suggellò la sua crescente fama di compositore con l’opera Robert le diable (Roberto il diavolo; 1831), che dilagò ben presto nei teatri di tutto il mondo, procurandogli numerose commissioni di lavori teatrali ed onoreficenze fra cui la Legion d'onore (1832); un altro successo si ebbe con Les Huguenots (Gli ugonotti; 1836) che superò all’Opéra di Parigi il limite delle mille recite, mai raggiunto da altri spettacoli.Recatosi verso il 1842 a Berlino come Generalmusikdirektor chiamato dal re di Prussia, dove rimase fino al 1846, Meyerbeer attese soprattutto alla preparazione minuziosa della sua nuova opera Le Prophète (Il profeta), rappresentata però con straordinario successo soltanto nel 1849. L'apice del successo, però, venne raggiunto con L' étoile du nord (La stella del Nord; 1854), rielaborazione del suo precedente Singspiel Feldlager in Schleisen (Accampamento militare in Slesia). Ultima fatica fu L’Africaine (L’Africana), rappresentata postuma nel 1865. Le esequie di Meyerbeer si svolsero, con particolare imponenza, prima a Parigi, poi a Berlino, dove la salma fu trasferita per essere tumulata nella tomba di famiglia al cimitero ebraico. Protagonista di primo piano in un lungo periodo della cultura musicale europea, Meyerbeer portò nel succedersi dei suoi tre stili (tedesco, italiano e francese) il segno d’una personale genialità inventiva, riconosciutagli peraltro, oltre i limiti del grand-opéra nei quali solitamente viene inclusa la sua vicenda artistica, soltanto in tempi recenti.Questo gusto fu duramente criticato, fra gli altri, da Schumann e Wagner che gli imputarono una ricerca dell' effetto fine a se stesso a scapito degli autentici valori musicali e drammatici. Tuttavia tale concezione del grand-opéra, con una ben delineata incisività melodica, il fasto scenico, la ricchezza della strumentazione, l’ampiezza corale della musica fu termine di paragone e modello per quasi tutti gli operisti dell' 800 sino a Verdi.E’ autore di composizioni religiose (Salmi e Cantate), vocali (una raccolta, tra l’altro, di quaranta Melodie per canto e pianoforte) e sinfoniche (Ouvertures e marce varie).

Per approfondimenti:  http://www.meyerbeer.com/
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Musicista francese. La sua singolare personalità è stata solo in tempi recenti rivalutata nella portata della multiforme attività di studioso, di polemista, di compositore, di direttore d’orchestra, di infaticabile animatore del movimento romantico. Benchè avviato agli studi di medicina, seguì ben presto la nativa inclinazione alla musica; facendo parte di un coro potè mantenersi agli studi presso il Conservatorio di Parigi, dove si presentò tardi, quando già era autore di numerosa musica.Nella vita e nelle composizioni portò l’entusiasmo del suo temperamento, e fu perciò al tempo stesso protagonista e vittima dei fervori romantici: grande amatore, ebbe in sorte una sfortunata vicenda coniugale; geniale innovatore (rivoluzionò la concezione dell’orchestra moderna), subì più spesso l’incomprensione che la stima dei contemporanei. Per quanto Berlioz sia rimasto fondamentalmente legato a Beethoven — delle cui sinfonie fu il primo intelligente critico — la sua giovanile Symphonie fantastique, composta nel 1829, segna una data nella storia del sinfonismo post-beethoveniano. In occasione del Grand Prix de Rome conseguito nel 1830, soggiornò a lungo in Italia, ma esercitò soprattutto la sua animatrice presenza a Parigi e in Russia, pagando sempre di persona la sua mancanza di opportunismo, riscontrabile anche nelle recensioni musicali apparse in molti giornali dell’epoca e soprattutto nella rubrica del Journal des Débats che Berlioz tenne per quasi trent’anni, dal 1835 al 1863. I suoi scritti — brillanti, arguti o polemici — sono tuttora una fonte di notizie per una storia del costume musicale dell’epoca. Più volte tentò il teatro musicale (Benvenuto Cellini e I Troiani), ma meglio gli riuscirono le opere da concerto, e cioè le imponenti sinfonie drammatiche con cori (Roméo et Juliette, 1839; La damnation de Faust, 1846), e gli oratori, tra i quali, più famosi, un Te Deum e L’en/ance du Christ che contiene alcune fra le più belle pagine dell’Ottocento. L’acceso virtuosismo strumentale di Berlioz è condensato nel Grand traité d’instrumentation et d’orchestration modernes (1844; Grande trattato di strumentazione e di orchestrazione moderne), il suo intuito critico, spesso illuminante, traspare, oltre che dai suoi articoli, anche dai Mémoires (Memoriali) e dai Grotesques de la musique (Grotteschi musicali). Gli ultimi anni della inquieta vita di Berlioz, tormentati dalla crescente incomprensione dei contemporanei e dalla morte di parenti e di amici, furono rallegrati, prima che un sonno letargico durato tre mesi lo conducesse alla morte, da un ultimo trionfale viaggio in Russia e dalla composizione dell’opera in due atti Béatrice et Bénédict, uno scherzo di felicissima e sorprendente invenzione, tolto dalla commedia di Shakespeare Much Ado About Nothing (Molto rumore per nulla).

Per approfondimenti: http://www.hberlioz.com/
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Intraprese gli studi musicali con il maestro A. Reicha, quindi, conclusi gli studi classici, frequentò il Conservatorio di Parigi, dove approfondì le conoscenze musicali sotto la guida dei maestri Halèvy, Lesueur e Paer. Nel 1839 ottenne il "Prix de Rome" con la cantata Fernande, e fra il 1940 e il 1843 soggiornò a Roma, dove conobbe le opere del Palestrina e dei polifonisti italiani. La loro influenza suscitarono nel compositore mistiche suggestioni, sensibili in una Messa eseguita a Roma nella chiesa di San Luigi dei Francesi, e in un Requiem, che eseguì a Vienna l’anno seguente. Conobbe personalmente Mendelssohn, Schumann e Berlioz: la loro musica e la loro personalità lo affascinarono, raffinando la sua robusta e prospera vena artistica. Studiò con fervore le loro opere e approfondì su consiglio di Mendelssohn anche lo studio delle musiche di Bach, Mozart - nel 1890 lasciò uno studio sul Don Giovanni di Mozart - e Beethoven. Attratto particolarmente dal dramma musicale, vi si dedicò con appassionata tenacia. Sapho è il suo primo melodramma rappresentato nel 1831. Seguirono La Nonne sanglante (1834), la commedia musicale Le Médecin malgré lui (1838) e nel 1839 il Faust, considerato il suo capolavoro. I drammi composti dopo — e fra questi Mireille (1864) e Roméo et Juliette (1867) — pur rivelando dignità di ispirazione e di stile, furono ben lontani dal raggiungere la genialità del Faust, che, in una misurata effusione di accenti appassionati, esprime una sincera vena poetica, animata da casti sentimenti dell’amore e da una religiosità che ha un tratto affettuoso e toccante. Il linguaggio musicale riecheggia questa misura, questa castità di espressione, offrendosi in un puro e sobrio disegno, in una vocalità e in una melodicità vaghe e preziose. Non si discosta sensibilmente da questi tratti la musica sacra di Gounod che ha come opere maggiori gli oratori Redemption, trilogia sulla passione di Cristo, e Mors et vita, nel quale introdusse salmodie gregoriane, destinate ad accrescere quella lineare delicatezza melodica, che aveva pur caratterizzato una parte non trascurabile della sua musica: le romanze, delle quali giusta fortuna conseguirono Le soir, Le vallon e Sérénade. Lasciò numerose pagine di musica sinfonica e da camera, fra cui le Mèditations sur le premier prelùde de Bach per violino, pianoforte ed organo, nel 1852, ossia la celeberrima "Ave Maria", e scritti autobiografici e saggistici tra i quali l’Autobiographie e Mémoires d’un artiste e Don Juan de Mozart.

Per approfondimenti:  http://www.charles-gounod.com
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Dopo aver appreso i primi elementi musicali dalla madre, studiò al Conservatorio di Parigi dove fu allievo di Ambroise Thomas in composizione e François Bazin in armonia. Nel 1863, dopo aver vinto il Prix de Rome con la cantata David Rizzio, si trasferì a Roma, dove abbozzò la prima Suite, l’Ouverture de Concert e il Requiem. D’allora fino al 1873 la sua carriera fu assai modesta, viaggiò in Germania e Ungheria e compose due Suites e le Scènes hongroises. Nel 1867, inoltre, esordì con l’operina La grand’tante, riscuotendo un discreto successo. Ma si pose all’attenzione di musicisti, ed in particolare di Bizet, con il dramma sacro Marie Magdaleine, composto nel 1873, e con l’opera Le Roi de Lahore (1877), tratta da una leggenda indiana. Nel 1878, a suggello della sua popolarità, venne chiamato a sostituire Bazin alla cattedra di composizione al Conservatorio di Parigi, dove ebbe come allievo George Enescu. Artista ormai di risonanza internazionale, venne proposto nel 1896 per la direzione del conservatorio, che egli tuttavia rifiutò, abbandonando persino l’insegnamento, per dedicarsi esclusivamente alla composizione. Fecondo compositore, produsse musica orchestrale e da camera, nonché balletti, oratori e musiche di scena. Se l’affermazione dell’opera Le Roi de Lahore era stata lusinghiera, il successo duraturo venne consolidato dalla Manon, rappresentata a Parigi nel 1884, e venne poi rinnovato con Werther (1892), e Thaïs (1894). Dei suoi ventisette melodrammi, i più noti sono: Le Roi de Lahore (1877), Hérodiade (1881, Erodiade), Manon (1884), Le Cid (1885, Il Cid), Werther (1892), Thais (1894), Cendrillon (1899, Cenerentola), Le Jongleur de Notre-Dame (1902), Don Quichotte (1910, Don Chisciotte), e Cléopatre (1913, postuma). Manon e Werther, tratti rispettivamente dall’omonimo romanzo dell’abate Prèvost e dai Dolori del giovane Werther di Goethe, sono le opere più rappresentative del teatro di Massenet. In esse la sapienza della forma musicale e l’intensità dei sentimenti romanticamente espressi, acquistano una vibrazione assai penetrante. I drammi sono entrambi imperniati sulla figura dei protagonisti i quali, pur non possedendo vera forza drammatica, esprimono una loro struggente e suggestiva malinconia, attraverso l’intensità della melodia ricca e sobria ad un tempo e la finissima trama orchestrale non estranea alle prime esperienze di Debussy e di Puccini.

Per approfondimenti:  http://www.morrisonfoundation.org/Massenet_Main_Page.html
http://opera.stanford.edu/Massenet/

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Iniziò a studiare solfeggiò all’età di quattro anni, edotto dal padre Adolfo, insegnante di canto. All’età di nove anni attrasse l’attenzione di A.F. Marmontel, con cui proseguì gli studi musicali, e a dieci fu ammesso al conservatorio di Parigi, dove studiò composizione con il maestro Zimmermann e con Gounod, che sovente sostituiva il maestro titolare, quando s’assentava per lavoro. Nel 1953, alla morte di Zimmermann, Bizet proseguì gli studi con il maestro Halévy e s’invaghì di sua figlia, con cui, successivamente, s’unì in matrimonio. Nel 1857 vinse, insieme con Charles Lecocq, un concorso bandito da Qffenbach per musicare l’operetta Le Docteur miracle, da rappresentare ai Bouffes-Parisiens; lo stesso anno ebbe il Prix de Rome, che gli consentì di stabilirsi in Italia fino al 1860, dove scrisse l’opera buffa Don Procopio. Tornato a Parigi, vi fece rappresentare la sua prima opera importante, Les Pécheurs de perles (1863), ennesima variazione sul tema della vergine sacra a cui l’amore è vietato, pena la morte. L’opera ebbe buone accoglienze dal pubblico, ma scarsa considerazione dalla critica; il solo a difenderla fu Berlioz. Seguirono numerose altre composizioni, la maggior parte delle quali rimase incompiuta, a causa delle prime avvisaglie di un grave male alla gola e da profonde crisi depressive, che rallentarono la sua crescita artistica e il ritmo della sua produzione. Durante la guerra franco-prussiana del 1870, Bizet entrò nella Guardia Nazionale e poi fu per qualche tempo a Bordeaux, ove per la prima volta ebbe occasione di studiare il folclore spagnolo, che avrebbe poi utilizzato in Carmen. Nel '71 fu assunto dall’Qpéra di Parigi come maestro sostituto. Dopo aver ancora tentato il teatro con mediocre successo (l’opera Djamileh, le musiche di scena per l’Arlesiana di Daudet), nel 1873 iniziò la composizione di quella Carmen che doveva dargli la gloria. Eseguita per la prima volta all’Qpéra-Comique di Parigi nel 1875, l’anno stesso della morte dell’autore, quest’opera, il cui libretto fu ricavato dall’omonima novella di Mérimée, incontrò agli inizi l’ostilità della critica. Sostenuta dal pubblico, si affermò poi trionfalmente, ed entrò nel repertorio dei teatri di tutto il mondo, specie dopo che gli originali dialoghi parlati furono sostituiti dai recitativi messi in musica da Ernest Guiraud. Compositore essenzialmente teatrale nonostante le sue escursioni nel campo della musica corale, sinfonica e da camera, Bizet creò con Carmen non solo il suo capolavoro, ma un’opera di importanza fondamentale per lo sviluppo del teatro musicale in genere e francese in particolare. Infatti, le situazioni violente, l’ambientazione popolaresca, il ricorso al folclore, il canto a volte dolce e melodioso a volte irruente e sensuale, la raffinatezza dell’orchestrazione, da un lato pongono Carmen all’origine dell’opera verista italiana, dall’altro influenzano e determinano la strada di tutti i successivi compositori francesi ed europei. Nietzche, grande ammiratore dell’opera, declamò la solarità della musica di Wagner, contrapponendola alla cupezza di Wagner che "aveva riempito l’Europa di fantsami".

Per approfondimenti:  http://it.wikipedia.org/wiki/Georges_Bizet
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Compositore e violoncellista tedesco, naturalizzato francese. Figlio di un cantore della sinagoga di Colonia, mutò il cognome originario ( Eberst o Eberscht ) in Offenbach, nome della città in cui nacque il padre. Ancora ragazzo, si dedicò al violino, quindi al violoncello formando un trio con il fratello e la sorella. Si trasferì nel 1833 a Parigi con tutta la famiglia ed entrò nella classe di violoncello del Conseratorio. Divenuto un virtuoso di questo strumento Offenbach intraprese alcune tournées che lo resero celebre. Nominato nel 1850 direttore dell' orchestra della "Comédie Française" ebbe l' idea di parodiare le tragedia che dirigeva, incominciando a scrivere brevi opere in un atto che chiamò "opéras bouffes". La fama di Offenbach. è infatti legata alla sua attività nel campo dell’operetta di cui viene da alcuni definito il padre. Pur avendo già composto diverse arie e musiche di scena per vari lavori, ebbe la grande occasione nel 1855 quando, affittato in proprio un teatro, da lui chiamato Bouffes-Parisiens, mise in scena, con enorme successo, i suoi primi lavori. Ampliando lo schema delle sue prime produzioni e sfruttando la sua ironia mordente, iniziò la composizione di una serie di fortunatissime operette come "Orphée aux Enfers" (1858; Orfeo all’Inferno), "La Vie parisienne" (1866; La vita parigina) e "La belle Hélène" (1864; La bella Elena) dove viene ripresa la divertente parodia degli dei greci già sfruttata per Orphée. Lo scandalo che i suoi dissacranti lavori suscitavano, portando in scena in modo caricaturale anche i malcostumi della società dell'epoca, non ne impedì il successo, tanto che "La belle Hélène" fu replicata in 300 serie di rappresentazioni. Lasciato nel 1866 il teatro di Bouffes-Parisiens fece rappresentare nei principali teatri i suoi ultimi lavori: "Barbe-Belue" (1866), "La Périchole" (1868), "Les brigands" (1869). Nel 1873 assunse la direzione del Théatre de la Gaîté e nel 1875 intraprese una tournée in America. Tornato a Parigi compose ancora "Madame Favart" (1878), "La fille du tambour-Major" (1879) e "Belle Lurette" (1880). Compose anche un’opera seria, Les Contes d’Hoffmann (1881; I racconti di Hoffmann), ma non riuscì ad ultimare il lavoro iniziato, che venne completato a Guiraud; nonostante l' incompiutezza quest'opera è considerata il suo capolavoro, ed una delle opere più singolari dell’ultimo Ottocento. La notorietà di Offenbach, che fu un compositore dotato di solida preparazione, di inesauribile e geniale inventiva, di fine umorismo e di grande senso del teatro, fu dovuta oltre alla società dell’epoca, ben disposta nella sua spensieratezza ad accogliere la satira feroce di se stessa, anche ai due fra i maggiori librettisti del tempo che lavorarono per lui: Henri Meilhac e Ludovic Halévy.

Per approfondimenti:  http://it.wikipedia.org/wiki/Jacques_Offenbach
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